Творець анімаційних фільмів Мартін Сматана навчався в Академії театральних мистецтв у Братиславі та в Празі на FAMU. Він представив фільм "Россо Папаверо" на "Берлінале" чотири роки тому у конкурсному розділі "Покоління". Цього року там у Шаркана була новинка. Це вже цікаво тим, що воно інтерпретує складну тему для дитини-глядача.
Фільм "Саркан" розповідає про погляд дитини на старіння дідуся, смерть, втрату коханої людини. Що спокусило вас розібратися з такими темами у дитячому фільмі та як ви з ними працювали?
- Гадаю, я весь час підсвідомо думав про дитину-глядача. Оскільки тема небезпечна, це насправді фільм про страх смерті, втрату коханої людини, але в той же час він повинен бути для дитини. Коли я почав його розробляти, багато хто запитував мене, чи я не божевільний. У той час я багато читав про те, як розмовляти з дітьми на такі складні питання, як на них відповідати, говорити правду, а не баналити. Водночас ми намагалися подати тему метафорично, із символікою, але таким чином, щоб вона була зрозумілою для дитини. Ми розробляли фільм дуже довго, ще й тому, що він був важким, але для нас було дуже важливо вкласти в історію смерті веселість, перспективу та надію.
А як щодо ваших бабусь і дідусів? Ви мали справу з такими ж складними темами, коли були дитиною?
- Ідея, мабуть, базується на тому, що ми багато говорили на цю тему з маленьких років. Діти просто цікавляться, чи ми будемо тут назавжди і куди піде людина, коли помре. Це прикрі дитячі запитання, які можуть дуже турбувати батьків. Насправді, не виключено, що фільм допоможе їм зіставити їх.
Ти як вони їм відповіли?
- Я думаю, що мої діди могли бути дещо охочішими відповідати, ніж інші дорослі. Наприклад, колись мій дідусь розповів мені історію про вітер. І ми використовували це у фільмі з невеликими варіаціями. В кінці свого життя людина настільки розгублений і худий, що досить, якщо віє слабший вітер і забере його. Насправді, з плином часу, я бачу тепер, що чим старша людина, тим більше вона усвідомлює, що у неї за плечима багато років/шарів. Але в той же час він більш скромний і по-різному дивиться на світ, інакше з ним справляється.
У Шаркані він створив чарівний, привабливий світ, який, з одного боку, використовує відносно популярні відтінки пастельних кольорів, але в той же час не намагається любити силу. Фільм має ретро-штрих, який частково випливає з лялькової анімації, а частково із використаних матеріалів.
- Тема настільки вимоглива, що ми тим більше усвідомили необхідність зробити фільм візуально якомога приємнішим, по-дитячому. Наприклад, нам подобається, що наші ляльки мають не всі частини обличчя, лише брови та очі. Нас надихнула міміка тварин, адже люди дуже часто люблять милих собак і часто просто за вираз очей. Можливо, це функціонально і з точки зору того, що маленькі діти часто віднімають емоції від міміки, це насправді одна з наших перших здібностей. І ще однією причиною такого рішення було зняти універсальний фільм. Без вимовленого слова тепер його можна переглянути будь-якому глядачеві.
Отже, ви відмовились від вимовленого слова на користь більшої аудиторії?
- Ні, насправді ми ніколи не планували діалогів. А поки що я навіть не хотів би знімати фільми із вимовленим словом. Коли я можу зобразити історію за допомогою жестів, міміки, рухів тіла, розповісти її лише за допомогою картинок, це для мене цінніше.
Ви вивчали анімацію в Академії виконавських мистецтв у Братиславі та на FAMU у Празі, працювали в естонській студії, продюсували Шаркана в польській студії CeTA. Які відмінності ви бачите у розробці та виробництві анімаційного фільму після такого досвіду?
- Важке запитання. Для мене різниця в школах очевидна. Атмосфера в Академії театральних мистецтв, безумовно, була щасливішою. Раніше я там жив. В мене рік не було школи-інтернату, тому я жив у студії, де були свої речі, і ми спали під анімаційним столом. Ми буквально пережили анімацію. У Празі інакше йдеться про підхід викладачів. Ви не завжди відчуваєте, що вони хочуть кидати колоди вам під ноги. Комунікація та загальний підхід на вищому рівні, це вже було. більш реальним. Це було, принаймні для мене, менше студентських часів. Нам було дуже весело в Академії театральних мистецтв, ми все ще в основному тусувались. У FAMU ми вже намагалися знімати найкращі фільми.
Ви маєте досвід роботи у польській студії CeTA завдяки попередній перемозі на пітчингу в Animarkte в Лодзі. Як ви дивитесь на цей досвід?
- Там було справді високо. У нас був повністю обладнаний зал, ми отримали трьох помічників. Польща насправді є країною, де анімація, особливо лялькова, знаходиться на дуже високому рівні. У нас у Празі таких можливостей не було. Спочатку ми планували виробництво в Празі, лише після цієї перемоги ми могли його розширити і дозволити собі кадри, яких ми ніколи раніше не знімали. Більший, повітряний. Оскільки тема фільму також стосується польотів, у нас це добре вийшло.
В Естонії я проходив стажування за Еразмом у студії Nukufilm, старої та традиційної студії, яка існує вже п'ятдесят років. Естонія також дуже відома анімацією мультфільмів та ляльок, в основному це сила анімації. Я працював там асистентом, допомагаючи у виготовленні реквізиту та сцен. Я пам’ятаю, як ходив до коледжу, розпитував людей і робив нотатки.
Чому ви обрали шлях лялькової анімації, коли це настільки фінансово та трудомістко, і сьогодні молоді аніматори тягнуться до більш сучасних технік?
- Мені подобається, що він зроблений вручну, і все, що можна побачити у фільмі, насправді існує, ви можете його зловити, подивитися, з яких матеріалів він зроблений. Однак я не знаю, чи це була причина, через яку я колись починав. Коли я був маленьким, я ходив у початкову художню школу, де ми випробовували різні техніки, і там я також розворушив свою першу ляльку. Мені просто подобається щось робити. Одне з моїх перших записів у нашій сімейній книзі заяв про дітей - це те, що я хочу на день народження пилку для нігтів, свердло, зубило та лещата. Коли мені було десь сім років, я зробив такі фігури - армію, потім сфотографував, переніс їх, знову сфотографував, переніс. Я взагалі не знав, що це називається анімацією, і зовсім не те, що це маріонетка і що я зароблю на цьому за кілька років.
Ви вже говорили, як ви придумали тему, але яку процедуру ви обираєте під час написання сценарію?
- В обох своїх фільмах я робив сценарій разом з Іваною Суйовою. Під час фільму "Россо Папаверо" ми часто зустрічалися, консультувались, у неї були чудові ідеї з циркового середовища - стара циркова дівчина, у якої кістки лопаються, жонглююча товста жінка в інвалідному візку. З Шарканом весь розвиток тривав дуже довго, тому вона працювала зі мною у кілька етапів. Ми каталися на ковзанах, зустрічались, але я вже писав версію, яку ми знімали самі. З точки зору драматургії, консультації з пітчингу мені дуже допомогли. У «Аніфільмі» в Требоні я порадився з Філіпом Лазебником, сценаристом студії DreamWorks, який написав, наприклад, «Легенду про Мулана», Покахонтас, принц Єгипту. Він сказав мені поглянути на весь ретроспективний уривок, який я мав там, і дозвольте мені зробити його якомога простішою моделлю. Щоб мати можливість сказати це в одному реченні: чим старший дідусь стає, тим він худший, а коли він зовсім худий, слабкий вітер здуває його. LaZebnik мені дуже допоміг, але це було незадовго до того, як я поїхав представляти фільм на Animarkt. Тож мені довелося розробити новий сценарій за дуже короткий час. А в Лодзі я нарешті переміг.
Тож катинги були для вас великою віхою на різних етапах розвитку фільму. У чому ви бачите їх найбільшу користь?
- Просто в тому, що я повинен презентувати проект, я повинен його підготувати, сформулювати для себе, очистити. Навіть розробка презентації зміщує проект як такий. Однак перш за все це дуже неприємний процес. Якщо я щось справді ненавиджу, це качінг, тому що важко стояти перед аудиторією і представляти те, що, на вашу думку, не працює. Але в той же час ви намагаєтеся зрозуміти, що ці люди звикли до цього. Я думаю, що каталінги мені найбільше допомогли у розвитку, адже є люди, котрі були роками драматургів і можуть дуже швидко визначити, що працює, а що ні.
З усього, що ви говорите, випливає, що етап підготовки надзвичайно важливий, особливо у випадку з анімаційними творами, для підготовки самого виробництва. Існує "занадто довга" фаза розвитку взагалі?
- Чесно кажучи, я б не хотів розробляти фільм, поки цей. Ви не хочете починати зйомки, якщо відчуваєте, що фільм не працює. Він завжди намагається щось змінити, спростити, писати різні версії, робити розкадрування. Але іноді добре мати хоч якісь обмеження. Наприклад, з нами траплялося, що коли ми вже вигравали нагороду в Animarkt, вони давали нам точні дати, коли ми можемо стріляти, і ми більше не могли з цим рухатися. Було п’ять тижнів, нам довелося встановити зовсім інший темп.
Чи є у вас інші ідеї та ідеї, що розробляються? Це також буде ляльковий театр?
- У вільний час я готую одну концепцію приблизно третій рік. Однак я встановив свої межі, що працюватиму над цим лише під час подорожей. Минулого року я багато подорожував, тому наполегливо працював над цим. Концепція заснована на анімації предметів щоденного використання в поєднанні з намальованою анімацією, яка створює абсолютно різні об’єкти. Я зрозумів, що мені подобаються фільми, де техніка не використовується сама по собі, а базується на сценарії, і якби застосовувався інший прийом, це не спрацювало б. Таким фільмом є, наприклад, Nyuszi és őz (Кролик та олень, реж. Петр Вач).
Верона Дубішова (продюсер, випускниця аудіовізуальних студій FTF ВШМУ)
ФОТО: Міро Нота